THE FROG ( Ranitomeya ), DÜSSELDORF, 1928

"Exhibitions in Düsseldorf in October"

The Young Rhineland (Kunsthalle)

Living Foreign Art (Alfred Flechtheim)

Düsseldorf Artists Association (Art Association)

These three exhibitions offer opportunities for interesting comparisons. The Flechtheim gallery now presents classically recognized Impressionists, Expressionists, and Cubists. The French art dominates the scene. The Romanesque taste and stylistic assurance highlight their superiority with surprising clarity. However, the latest artistic revelation is not achieved; yet even bold experiments do not drift into nothingness or the grotesque, as is the case with contemporary German artists, but always remain within a strong artistic consciousness and a traditional sense of craftsmanship quality.

Even where the canvas is worked according to a recipe, as with Léger and Juan Gris, it is in the service of a convincing decorative will. Artistic optimism brought to its zenith. It is difficult to believe that any of these artists have ever scraped a painting. There is no ideal against which it would be wrong to measure oneself. What is aimed at develops naturally in its appropriate artistic form during the working process, and whether it is more or less angry barely concerns. Perfection in this microcosmic art form may not be difficult to achieve, but from these colored and linear harmonies emanates an unspeakable soothing, which constitutes a conscious contrast with the overwhelming diversity of phenomena in life.

A small floral masterpiece is presented by Raoul Dufy. Pablo Picasso's "Nature morte 1925" is extremely impressive, but it is surpassed in artistic intensity by a small work by Georges Braque: "Nature morte aux fruits 1926". The "Tête de femme" and "Portrait d'une fille" by Derain are jewels of cultivated painting. The same can be said of Gaston Louis Roux's "Composition". Maurice de Vlaminck is an excessively skilled routine artist. Delicate but pale are Jules Pascin and José de Togores. The inevitable noble kitsch is brought by Kees van Dongen and Marie Laurencin. Marc Chagall and Edvard Munch, both represented by two paintings in this exhibition, introduce an art of fundamentally different nature, whose characteristic could serve as a guide when examining the exhibition organized by the "Young Rhineland" approximately.

The generally human material becomes the agent of artistic creation and interpretation. It is not only the finished artwork that establishes the contact between the artist and the viewer, but the choice of the material itself that already conveys familiarity. If one can say so, the meaning of this encounter is always confrontation, not friendship. The resignation of quiet beauty is rejected; the aim is to be overwhelmed by beauty. Instead of the typical and moderate, the characteristic and exacerbated appear. Instead of pacification, there is seizure. The religious connection replaces traditional aesthetic concentration here.

Même si l'image d'Edward Munch qui suscite cette comparaison n'est pas considérée comme tout à fait mûre, elle présente néanmoins ces différences dans le choix et la conception du sujet que je souhaite souligner ici. "Fille dans le jardin" : elle évite cette unification arabesque du thème, appréciée par les artistes romanesques (Matisse). Au contraire, la différence essentielle est soulignée, pour ensuite être fusionnée en une unité - l'unité de l'image - non sans brutalité. Marc Chagall évite ce genre de violence et préfère pousser les éléments de forme hétérogènes vers le domaine de l'irrationnel - et crée ainsi quelque chose de rêveur et de féerique. Munch semble également féerique, mais il prêche des contes d'énergies captives, tandis que Chagall raconte des contes sur les merveilles de l'espace. Tant Munch que Chagall sont des représentants extrêmes d'un art non-roman, un art qui sacrifie toujours l'harmonie, souvent aussi la beauté (au sens commun) au profit de l'expression. L'exposition du "Jeune Rhin" montre clairement que cette manière de concevoir est la plus appréciée chez les jeunes artistes et qu'elle les destine à un suivi. Mais rarement cette intention est associée à une vision fondée sur une conception du monde. En effet, lorsque des éléments techniques ou de représentation, voire même des contingences, sont adoptés de manière arbitraire et sans but pour devenir le point de départ d'efforts personnels, cet abus se venge précisément en mettant en avant de façon grotesque le vide intérieur qui aurait dû être dissimulé. Dans cette exposition, seuls deux artistes se distinguent réellement par leur capacité à donner forme et interpréter leur monde et à délimiter les possibilités artistiques personnelles : Max Ernst et Otto Pankok. Les peintures en noir et blanc de Pankok sont des représentations convaincantes de visages, aussi fortes que voulues. Des tableaux comme "Vache" et "Coq" sont magistraux et témoignent d'une observation et d'une force d'expression directe. Max Ernst est toujours le rêveur constructiviste qui assemble des objets du monde intérieur et extérieur pour former des créatures fantastiques significatives, et qui offre de vastes perspectives esthétiques. À une grande distance de ceux-ci suivent les "bons peintres", dont la plupart se contentent de suivre plus ou moins des mesures éprouvées et de représenter des motifs plus ou moins attrayants. Willem Stocke montre son talent impulsif dans un autoportrait sympathique et bien équilibré en termes de couleur. Mais dans ses autres tableaux, il fait preuve d'une virtuosité excessive. Cette virtuosité, à côté d'une modestie gênante en ce qui concerne la mise en œuvre du sujet, apparaît globalement comme un trait préoccupant des artistes du "Jeune Rhin". L'image "hachée" esquissée (souvent de manière absurde) est caractéristique de l'exposition. Pourquoi cette peur de développement ou de formalisation de l'œuvre ? Pour certains artistes, elle est justifiée, car un développement ultérieur pourrait signifier une finalité. En ce qui concerne Artur Erdle, on regrette vraiment cette inachèvement, car chacune de ses peintures manque de quelque chose pour être qualifiée de bonne. Elles sont "nébuleuses" au sens de Goethe.

Cependant, il convient de souligner certains de ses œuvres : "Schimmel auf staubiger Straße", "Kind mit schwarzem Hut". De bons échantillons de talent sont présentés par Macketanz avec "Straße", Peter Jansen avec "Frau mit Fächer", Leo Nyssen (dont on aimerait voir plus) avec "Konstanze". Robert Pudlich avec différentes images. Paul Schmitz ne doit pas non plus être oublié. Il présente de bonnes impressions, mais on peut remarquer que les influences des impressionnistes français et allemands leur ont donné vie. Schumacher-Salig oriente son sens artistique sur les produits de Vlamink. Il est de bon goût, mais sans vie. Kurt Georg Becker utilise de manière trop impudente diverses impressions étrangères ; il est sans aucun doute doué. Pa1ung présente des gravures techniquement attrayantes dans les vitrines. Bons dessins : Kurt Beckmann et August Oppenberg. Ceux de Chiccio Haller, en revanche, sont indiscutables.

Malheureusement, la sculpture est représentée de manière insuffisante. Le "Portrait Sch-S." de Kurt Beckmann et sa petite sculpture "Liegende" sont des réalisations décentes. La tête du Professeur Marks "Burri" est également caractéristique et mérite d'être mentionnée. Les céramiques d'Elisabeth Peiner et de Felicitas Klatte sont intéressantes. Une question : qu'a à offrir un dilettante moyen comme Albert Trillhase pour être exposé ici ? La vague qui a porté l'infantilisme a pourtant heureusement disparu par ailleurs. Beaucoup de jeunes talents aspirants aimeraient présenter leur travail à sa place.

L'exposition de la "Jeune Rhénanie" est accompagnée d'une exposition de "sculptures" et "d'aquarelles" de C. M. Schreiner. Probablement ce qu'il y a de plus envahissant à avoir été vu à la Kunsthalle depuis longtemps. L'apparition de cette pseudo-monumentalité et de cette prétendue génialité semble assez anachronique. Le simple gribouillage avec du rouge, du jaune, du bleu et du vert ne constitue pas encore une aquarelle ; le simple griffonnage ne constitue pas encore un dessin - et croire qu'en assemblant des formes grotesques et massives, on peut créer des sculptures est manifestement une mécompréhension de la sculpture.

Lorsque l'on doit avaler de telles prétentions de puissance, même des œuvres artistiques parfois manquées comme celles exposées par le "Düsseldorfer Künstlerbund" à la Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen sont un plaisir. Un travail honnête est investi dans ces œuvres de Gerhard Jansen, J. P. Junghans, Ackermann et H. Angermeyer.

Bien que le résultat artistique soit souvent pitoyable par rapport au travail investi, une exposition artistique globale est présente chez Gerhard Jansen et une délicatesse picturale chez Junghans et Ackermann, qui se manifeste dans les peintures d'animaux du premier telles que "Jeune taureau" et "Tête de vache", ainsi que dans différentes petites paysages du dernier, qui s'approchent de la maîtrise de la composition.

Das "Stilleben mit Eichelhäher" de Junghans est un exemple de la meilleure école de peinture de Düsseldorf, et nous ne manquons pas de présenter aux producteurs d'art comme les jeunes artistes du Rhin, Paul Bindet, H. B. Hundt et C. Schneiders, comme des exemples de peinture honnête et bien fondée.

Si j'ai mentionné précédemment la supériorité de l'art français, je ne voudrais en aucun cas être pris pour un défenseur de l'imitation de l'art français. Je voudrais simplement souligner la reconnaissance et la délimitation des propres capacités, une reconnaissance qui est naturelle pour les artistes français, et cette limitation qui caractérise le maître.

N'est-ce pas ici une précieuse graine de devenir organique et de maturation délicieuse ? Loin de cette volonté obsessionnelle de paraître plus grand que ce que l'on est. Le plus grand ennemi de la personnalité artistique est le désir de reconnaissance. Ce n'est pas l'homme affairé, mais celui qui lutte avec son matériau, qui façonne son monde, qui peut être un artiste et créer une œuvre d'art de valeur durable.

G. Grossekräul

Que propose Düsseldorf ?

LA GRENOUILLE

vous le dit

Novembre 1928

Article de G. Grossekräul ( Will HALL)

Galeries et marchands d'art

Les galeries et les marchands d'art à Düsseldorf sont souvent plus préoccupés par le fait d'offrir à leurs visiteurs des "produits" garantis (qu'ils soient traditionnels ou modernes) qui les satisferont certainement, plutôt que de servir le public, l'art et les artistes en promouvant des œuvres d'une qualité impeccable. Certaines "grands noms" locaux sont ainsi tentés de se livrer à une surproduction directement indécente, tandis qu'il devient simplement impossible pour le jeune artiste aspirant sérieux de se présenter directement au public acheteur car dans les lieux où il peut exposer son travail, le voyeurisme prévaut.

Malgré les cadres pompeux, qui dépassent parfois la valeur du tableau de plusieurs fois, le marchand d'art, étant approvisionné à bas prix par "l'usine de peinture", peut naturellement gagner plus sur une telle œuvre que sur celle d'un artiste qui, bien sûr, préférerait limiter le profit de l'intermédiaire à un niveau sain. L'aspect idéaliste du commerce de l'art et de sa distribution devrait être remis en avant-plan, car la devise "faire de l'argent !", qui hante invisiblement mais clairement de nombreux magasins d'art, conduira de plus en plus les amateurs d'art à refuser la médiation d'un achat et, dans la certitude de pouvoir y acheter bien et bon marché, les mènera à l'atelier de l'artiste. Cependant, récemment, on observe également une tendance notable dans les galeries et les marchands d'art à donner la parole aux artistes qui s'écartent du conventionnel.

Frau Ey (Art moderne, Hindenburgwall) semble avoir été la première à rompre avec les pratiques habituelles du commerce de l'art à Düsseldorf. Elle ne dédaigne pas, parfois, d'exposer des œuvres d'artistes très problématiques. Certainement, cela se fait souvent au détriment du portefeuille. Car il est très douteux que des produits comme les œuvres de Felix Nußbaum, qui présente actuellement une petite collection chez elle, trouvent de nombreux admirateurs. Nußbaum est-il un autodidacte ? Il y a quelque chose de dilettante dans ces petites œuvres qui, portées en partie par une sensibilité subtile des couleurs, révèlent une réinterprétation singulière du reproche. Je laisse ouverte la question de savoir si son talent suffit à exercer l'art comme profession. J'apprécie particulièrement l'image avec l'omnibus jaune. Theo Champion, également représenté avec différentes petites peintures, est toujours élégant, mais l'impression persistante est que sa technique, par une adaptation stéréotypée de ses motifs selon une recette honnêtement acquise, condamne son art à une stérilité trop précoce.

Max Ernst révèle à nouveau son intelligence esthétique dans une fantaisie ambiguë et une petite œuvre constructiviste. Jankel Adler montre sa sûreté décorative dans un nature morte, Kurt Lahs son éclectisme de bon goût dans des formes raffinées. La plupart des autres tableaux sont réalisés par les artistes affiliés à la "Jeune Rhénanie".

Les collections de Christian Rohlfs et Gert Wollheim sont intéressantes à plus d'un titre, et la galerie Stern invite à les découvrir. De l'ancien révolutionnaire de l'art Wollheim est devenu entre-temps un peintre expérimenté, qui s'adapte très bien au nouvel environnement, autrefois si décrié. L'objectif final de son travail semble être la création d'œuvres d'une signification artistique importante pour le goût moderne et les salons mondains. Une habileté manuelle inhabituelle, un sens des subtilités techniques et une capacité d'empathie presque impitoyable s'unissent pour créer des œuvres d'une force frappante.

"Cependant, cette impression s'estompe généralement lorsqu'on examine de plus près et laisse place à une gênante appréhension d'être sérieusement trompé. Un aspect indéniablement positif de ces œuvres est l'émergence d'une fantaisie extravagante, se reflétant picturalement dans des formes d'expression appropriées, mais sans pour autant rassurer finalement le spectateur par la constance du point de vue esthétique, comme le font même les créations les plus fantastiques de Goya et Kubin.

Les anciennement populaires "Pendants" été, automne et hiver nous rappellent la "Chasseresse avec Cacatoès à la Dôme : Makart". La sensibilité féminine dans l'harmonisation des couleurs, qui caractérise des images telles que "Paysage côtier" et "Chemin forestier estival", contraste nettement avec l'ampleur. L'esprit d'Oswald Achenbach semble avoir été invoqué ici, mais pas sans devoir subir une brutalisation capricieuse. Pour le "Pastoral", de nombreux maîtres anciens de Rembrandt à Poussin ont servi de modèles. C'est, dans le pire sens du terme, une composition. L'unité de l'image est atteinte en ce que les motifs les plus divers sont uniformément recouverts de faux effets bon marché. En fin de compte, ces têtes, ces mains, ces arbres, etc. (pour entrer dans les détails) ne sont ni vus ni maîtrisés. La vache semble être un leurre en bois en y regardant de plus près. Que dans Wollheim, il y ait un artiste de talent est démontré par de telles images, dans lesquelles il ne se livre pas à des clowneries avec je ne sais quelles réminiscences, mais se contente de ce qui lui est donné (et ce n'est pas peu).

Le portrait de la danseuse Barbakoff dans une subtile nuance de bleu-gris et une fixation compositionnelle sûre du point de vue, ainsi que l'image "Dame avec Clown" acquise par la collection municipale d'art dans sa maîtrise remarquable des nuances de blanc, sont des œuvres d'un grand raffinement, mais elles ne sont malheureusement pas exemptes de ce maniérisme qui est la caractéristique de l'artiste à Wollheim, et qui empêche rarement l'expression complète de l'artiste Wollheim.

Un artiste d'une personnalité singulièrement sympathique est Christian Rohlfs, qui, même en tant que vieillard, donne toujours forme à l'expérience stimulante qui l'entoure avec une fraîcheur juvénile, créant des images pleines d'une vie intérieure intense, sans avoir recours à des artifices artistiques, contrairement à son partenaire d'exposition. De ses débuts à sa production actuelle, l'exposition propose une sélection (pas toujours heureuse). Des images d'une grande délicatesse de surface sont présentes, et l'on remarque que l'effet souvent artisanal de tapisserie des images n'en restreint pas pour autant la portée, mais au contraire augmente l'expressivité en devenant un moyen de rendre le matériau monumentalement crédible. Le gris, le vert, le bleu dans les premières images - souvent orientées vers le blanc dans la structure de l'image - évoluent progressivement vers une profusion de couleurs du spectre positif, capable de convaincre indépendamment du motif toujours bien saisi, comme un jeu de couleurs enivrant.

Un tempérament de peintre sain, vital, dépourvu de tout scepticisme envers lui-même et le monde, s'exprime ici pour son propre plaisir et celui des autres. Dans ses heures les plus heureuses, Rohlfs a le pouvoir, je dirais même, de regarder les choses comme elles ne sont pas, de saisir cette vérité supérieure et conditionnée qui se révèle dans le conte de fées. Les expériences visuelles se traduisent imparfaitement en mots, donc : regardez ! J'ai particulièrement aimé les premières œuvres "Prés avec broussailles", "Paysage avec promeneuse", puis les "Images des Alpes et de la forêt". L'aquarelle, moyen d'expression habituel de Rohlfs, est malheureusement peu représentée dans la sélection présentée, mais elle contribue néanmoins favorablement à l'impression laissée par la personnalité artistique de Rohlfs. La galerie R. Kirberg présente également quelques œuvres d'un jeune artiste, Albert Henrich. De motif et de représentation sobres et distincts, elles sont susceptibles de susciter de nombreuses sympathies, ce qui est probablement justifié lorsque l'on compare ces œuvres à celles exposées par Margit Manz dans la salle des estampes, qui abusent de motifs similaires de manière dilettante.

G. Grossekräul